понедељак, 4. новембар 2013.

Miloš Karadaglić



“Kada sam imao 16 godina, odlučio sam da uzmem sudbinu u moje ruke, a čuo sam da je Kraljevska akademija u Londonu najbolje mjesto za učenje klasične muzike. Trebalo je poslati audio zapis i ja sam odlučio da snimim svoje sviranje bez ičijeg znanja“, ispričao je Karadaglić.
Nakon toga, primljen je na Kraljevsku akademiju, i imao je nevjerovatan uspon ka vrhu, što potvrđuju brojne nagrade i priznanja.

Dok prelazi sa nezaboravnih kompozicija Tarege i Albeniza na apstraktne oblike Domenikonija, čini se da Miloš baca potpuno drugačije svijetlo na sviranje ovog instrumenta.

"Sedamdesete godine predstavljaju  zlatno doba gitare, ali situacija je bila drugačija jer je mnogo značajnija bila podrška medija, BBC-a i ostalih" kaže Miloš.

"Zbog Džulijana Brima i Džona Vilijamsa, klasična gitara se odomaćila. Ali svijet se promijenio, a samim tim i muzika koju ljudi žele da slušaju. Želim da probudim gitaru iz hibernacije, i da pokažem šta mogu i šta moj instrument može"


Miloš Karadaglić je rođen prije 28 godina, i ovaj mladi Crnogorac je od malih nogu želio da bude umjetnik.

Ali u zemlji koja nema značajnu tradiciju klasične gitare, to je predstavljalo veliki izazov.

Sve je počelo kada je Miloš otkrio staru i prašnjavu gitaru s prekinutim žicama na vrhu ormara u spavaćoj sobi svojih roditelja.

Neobjašnjivo, ovaj  instrument ga je uvjerio da on mora postati gitarista.

Budući da, kako on kaže, "to je još uvijek  bilo na neki način komunistički" i nije bilo privatnih učitelja gitare, on je upisao u osnovnu muzičku školu.

Njegov napredak je bio neviđeno brz, te je sa 9 godina prvi put nastupao, a sa 11 trijumfovao na nacionalnom takmičenju.

Bio je i talentovan pjevač, pa je jedno vrijeme bio radijska i televizijska zvijezda.

Usavršavanje na Kraljevskoj akademiji u Londonu

1996. godine je prvi put svirao van Crne Gore, i to u Parizu, gdje je i kupio prvu pristojnu gitaru, model Hoze Ramirez.

Došao sam na akademiju kao naivno dijete, ja jesam imao svoje ideje o muzici i kako sam htio da zvučim, ali mi je bio potreban neko ko će to usmjeravati.

Zatim se susreo sa gitaristom iz Glazgova, Dejvidom Raselom, koji ga je ubijedio da mora da uči na Kraljevskoj muzičkoj akademiji u Londonu.

Nakon učenja u Beogradu i izuzetnog truda da bi poboljšao tehniku, poslao je snimak akademiji u Londonu, a Majkl Levin je osjetio nešto posebno u tom snimku, pa je Miloš dobio stipendiju.

Levin je postao njegov mentor, i vodio ga kroz izuzetno uspješno školovanje na akademiji.

"Došao sam na akademiju kao naivno dijete, ja jesam imao svoje ideje o muzicii i kako sam htio da zvučim, ali mi je bio potreban neko ko će to usmjeravati.

  Majkl je bio nevjerovatan, jer me nikad nije spriječavao da se izrazim, ali mi je pomogao da se izrazim sebe bolje".

Levinov uticaj je preveden u kreativnu pomoć na Miloševom albumu, na kojem su četiri kompozicije od Albeniza i Granadosa, koje je upravo Levin transkribovao za gitaru. Miloš je posebno oduševljen Levinovim radom na kompoziciji "Oriental".

"Nekada, gitarski aranžmani dijela na klaviru zahtjevaju da se napravi previše kompromisa, ali je Majkl našao način da zadrži umjetnički kvalitet originalnog djela, a da ujedno djelo bude kao prirodno pravljeno za gitaru. Sinoć sam slušao moje izvođenje "Orientala", nakon nekog vremena, i zbilja je magičan osjećaj".

Domenikoni na posebnom mjestu

Miloševa je ideja da album tematski sadrži i muziku sa Mediterana.

Kad sam prvi put svirao te (Domenikonijeve) kompozicije, publika je plakala. Osjećam se kao da sam u transu svaki put kad izvodim ta djela

"Bio sam inspirisan predivnim snimcima Segovije na kojima svira Granadosa, Taregu i Albeniza. Postoji veliki uticaj Orijenta jer su Mavri donijeli gitaru u Španiju.

Posebno mjesto za Miloša ima savremeni kompozitor Domenikoni.

"Prvi put sam ga čuo kad sam imao 11 godina, i to u Londonu. Zaintrigiralo je moju maštu jer me vratilo u djetinjstvo, na mjesta u Crnoj Gori gdje bih sjedio satima i razmišljao o budućnosti. Te kompozicije su izuzetno tehnički zahtjevne i čine da gitara na momente i ne zvuči kao gitara.

"Kad sam prvi put svirao te kompozicije, publika je plakala. Osjećam se kao da sam u transu svaki put kad izvodim ta djela".

Ovo je samo početak za Miloša, a granica čini se nema. On razmatra više planova za širenje svog gitarskog repertoara i potencijala.

"Džulijan Brim i Džon Vilijams su radili sa savremenim kompozitorima i doveli do toga da gitara bude jednaka sa ostalim instrumentima. Volio bih da radim sa filmskim kompozitorima, jer je film izuzetno uticajan medij. Komponovanje soundtreka ili nova solistička kompozicija su divne stvari za uraditi".

"Gitari je potrebna renesansa. Ne postoji pristupačniji, niti ljepši instrument od gitare, i ja želim da je približim novoj generaciji slušalaca.

Vijesti 

субота, 2. новембар 2013.

David Bouwie



Moram priznati da je bilo teško napisati tekst o umjetniku koji je više od 50 godina prisutan na svjetskoj muzičkoj sceni i koji je doživio toliko stilskih preobražaja. Pri pisanju nečije biografije potrebno je izbaciti sve suvišne ili manje bitne informacije kojih je kod ovog muzičara bilo malo, stoga je i samo pisanje teksta predstavljalo pravi izazov za mene. Filozofski tekstovi, avantgardna muzika, atraktivni scenski nastupi, kontroverzan stil oblačenja i još mnogo toga čini ovog čoveka umetnikom i genijem, muzičarem koji je konstatno pomerao granice u svojoj profesiji. Spajao je nespojivo i istupao iz šablona muzičkih žanrova.

Jednom davno je izjavio da ima odvratnu potrebu da bude nešto više od čovjeka. Da bude superčovjek. Dok je to u svijetu zabave zaista i postao, u domenu svog privatnog života uspeo je da sačuva intimu i stabilnu porodicu. Iza njegovih očiju različitih boja, ipak se krije običan čovjek sa neobičnim talentom i potrebom da uvek bude drugačiji, ne kopirajući ni sebe, ni druge.
Svoj muzički ukus je počeo da gradi sa devet godina, slušajući Fets Domina (Fats Domino), Čak Berija (Chuck Berry), Litl Ričarda (Little Richard), Čarls Mingusa (Charles Mingus), Džon Koltrejna (John Coltrane)... 1959. je dobio od majke saksofon i tada je počeo da se bavi muzikom. 1962. je osnovao svoj prvi bend Konrads, a pored njega je svirao u bluz grupama poput King Biz (The King Bees), Meniš Bojs (The Manish Boys), Lour Frd (The Lower Third) i Rajot Skvod (The Riot Squad). Sredinom 60ih je u ovim bendovima nastupao pod imenom Dejvi Džouns (Davy ili Davie Jones), a ’66. , da ga ne bi mešali sa istoimenim članom grupe Monkiz (The Monkeys) menja ime u Dejvid Bouvi. Sa gore pomenutim grupama je izdao nekoliko neuspešnih singlova, a 1967. izdaje svoj prvi album pod imenom „David Bowie“. Album nije postigao uspeh i Dejvid odlazi na studije mimike.


„The Rise and Fall of Ziggy Stardust and Spiders from Mars“ naziv je Bovijevog konceptualnog albuma iz 1972. na koji kritičari gledaju kao na remek-delo. Zigi Stardast, kako je sebe Bouvi tih godina zvao, je Marsovac koji je došao na planetu Zemlju da spasi čovečanstvo od banalnosti, znajući da Zemlju čeka propast za pet godina. Zigi je pritom seksualno promiskuitetna rok zvezda i konzument droga. On propoveda o miru i ljubavi, ali ga ubijaju njegovi obožavaoci. Osoba koja je inspirisala Bouvija za Zigijev lik je bio Vins Tejlor (Taylor), rok muzičar popularan krajem 50ih godina. Album je stilski bio čist glam rok, nastao pod uticajem muzike grupa Hu (The Who), Bič Bojs (Beach Boys), Velvet Andergraund (Velvet Underground), Ti Reks (T Rex)...

Album počinje uvodnom pesmom „Five Years“ koja priča o misiji Zigi Stardasta, glavnog junaka ovog muzičkog dela. „Moonage Daydream“ opisuje nastanak Marsovca kombinovanjem religije, romanse, seksualne slobode, buntovništva i strasti. U pesmi „Starman“, Zigi putem radia šalje poruku zemaljskoj omladini. Za „Lady Stardust“ se predpostavlja da je upućena Marku Bolanu (Marc Bolan), pevaču Ti Reksa kao pioniru glam pokreta. „Star“ opisuje lepotu života rok zvezde. „Zigi Stardust“ je priča o istoimenom liku. „Suffragette City“ sadrži frazu „Wham bam thank you ma’am!” koju je Dejvid nadalje često koristio na svojim nastupima. Priča o Zigiju konačno se završava pesmom “Rock’n’Roll Suicide” koja opisuje propast muziče zvezde i njenu smrt. Album sadrži dramski splet do tada neviđen na muzičkoj sceni i zbog toga se ovo izdanje smatra avantgardnim delom. „Pauci sa Marsa“ („Spiders from Mars“) je ime Bouvijevog pratećeg benda koji su činili Mik Ronson, Trevor Bolder, Mik Vudmansi (Mick Woodmansey), Rik Vejkmen i Dejna Gilespi (Dana Gillespie). Album je propraćen turnejom na kojoj se Dejvid predstavljao kao Zigi i nosio frizuru u obliku crvenog plamena. Ovom pločom Dejvid Bouvi je postao internacionalna zvezda i počeo da sarađuje sa drugim bendovima.
Seks, droga, rokenrol i ZigiSarađivao je sa svim velikim imenima, od Lenona (John Lennon) do nekadašnjih članova benda Nirvana. Ne postoji žanr u kom se nije oprobao, od glem roka (glam rock), elektronike, popa, rokenrola do džeza, koji ga je uveo u muzičke vode. Nijedna figura pop kulture nije toliko dugo trajala, a uspevala da ostane zagonetka. Bio je i ostao trendseter u najrazličitijim oblastima sveta zabave, preuzimajući rizike i boreći se sa kritikom još od kraja 60-ih godina. Uz ime Elvisa Prislija (Elvis Presley) stoji epitet kralja roka, dok se Majkl Džekson (Michael Jackson) naziva kraljem popa. Pa, ipak, najznačajniji muzički kritičari, novinari Rolling StonesNME Q magazina opisuju Bouvija kao "boga i batinu", jer je u svakom trenutku bio na vrhu muzičke scene, ostavljajući fanove i kritičare gladnim za još skandaloznih izjava, još svetlucavih kostima, još transformacija. Danas, nakon 27 studijskih albuma, najveća pobeda gospodina Bouvija je to što, za razliku od većine svojih kolega, nije postao kliše, niti parodija samog sebe.
Karijeru je započeo u rodnom Londonu, davne 1966. godine. Nakon albuma David Bowie iz 1969. godine i The Man Who Sold the World, Bouvi izdaje konceptualni album o svom alter egu Zigiju Stardastu (Ziggy Stardust). Biće to jedno od najintrigantnijih i muzički najkompletnijih izdanja u istoriji pop kulture. Te 1972. godine, glem rok scena dobija svoju figuru-vodilju, u vidu mršavog mladića sa različitim bojama očiju, koji provocira svojom seksualnošću i prisustvom, ne odvajajući se od platformi sa šljokicama.

Muzička vrteška
Osamdesetih Bouvi nastavlja da niže uspehe, a pop himne China Girl i Let's Dance od superzvezde stvorili su megazvjezdu. U to vreme, glumi i u dva filma Labyrinth i Absolute Beginners, za koje je komponovao muziku. Iako je važio za umetnika sa kojim je bilo lako sarađivati, bolje se izražavao kao solista, te je sredinom 90-ih zavladao elektronskom scenom i solo izvođenjima, u kojima je imao pomoć Dejv Grola (Dave Grohl), Pet Shop Boys-a i drugih. U novom milenijumu pokazao je svoju zrelu, odraslu dimenziju u kojoj je preispitivao poglede na život, smrt, vjeru, ali i ljubav.
Godine 2004. Bouvi preživljava srčani udar, što je rezultiralo njegovom medijskom tišinom koju je prekidao kako bi učestvovao na dobrotvornim koncertima, dajući izjave samo odabranima. Tokom karijere podržao je mnoge kolege, poput Nine Inch Nails i bendaThe Pixies, za koje smatra da su najznačajnija tvorevina 80-ih. Potpuno iskreno je govorio o svojim albumima iz perspektive zrelog, odraslog čoveka. Na pitanje o tome šta misli o obradama njegovih pesama od strane mladih izvodača, ističe da su neki od njih uspeli da ih pretoče u daleko kvalitetnije numere od originala.
Bludni sin
Orgije, sintetičke droge, večita nagađanja o tome da li je biseksualac ili homoseksualac, obilježili su Bouvijev uspeh koliko i akordi njegovih najpoznatijih numera. Pisalo se o njegovoj strasnoj vezi sa Igi Popom (Iggy Pop) i zajedničkim danima u Berlinu koje su provodili stvarajući muziku i vodeći ljubav. Nagađalo se da su im društvo često pravili: Mik Džeger (Mick Jagger), Brajan Ino (Brian Eno), Lu Rid (Lou Reed), Marijen Fejtful (Marianne Faithfull) i Anite Palenberg (Anita Pallenberg). Bovijeva kontroverznost nije se završavala na sceni ili u izboru partnera. Neke od njegovih legendarnih i podjednako omraženih izjava bila je ona da je Hitler bio prva pop zvezda, i one u kojima je ismevao šizofreniju, od koje je bolovao njegov stariji brat. Intrigantnost Bouvijeve ličnosti bila je toliko jaka, da je poslužila kao inspiracija za film Velvet Goldmine iz 1998. godine.
Upravo zbog toga je i njegov prvi brak sa Endži Bouvi (Angie Bowie) bio na meti tabloida. Uveliko se pisalo o Bouvijevim aferama sa muškarcima, ali i drugim ženama. Iako je zvanično brak trajao gotovo 10 godina, Bouvi i Endži su živeli zasebne živote, a spajao ih je sin, Dankan Džouns (Duncan Jones), rođen1971. godine, koji je danas poznati režiser. Kada je 1992. godine Bouvi sreo somalijsku lepoticu Iman, započeo je novi život. Ovaj super-par retko se pojavljuje u javnosti, uživajući u nekoj vrsti intime koju im pruža Menhetn. Iako je napisao pesmu I'm Affraid of Americans, danas sebe naziva Njujorčaninom, a za svoj 66. rođendan publici je poklonio najavu, a zatim i album The Next Day, koji je sniman u tajnosti. Počelo je još jedno poglavlje Bouvimanije. Jedino pravilo koje možemo primeniti na Bouvijevu karijeru jeste da je predviđanje njegovog sledećeg poteza uzaludan posao. Čak i kada to prihvatite, uspeće da vas šokira.




петак, 1. новембар 2013.

Ennio Morricone ~ Oskar za životno djelo

Kad je Ennio Morricone napisao muziku za legendarni vestern Dobar, loš, zao, osmislio je zvuk kakav dotad nije imao niti jedan vestern. U to doba, dok još nije bilo video-playera, filmska je muzika prizivala sjećanja na odgledane scene. A Morriconeov jezivi zvižduk i puščana paljba što su pratili lik Clinta Eastwooda upisali su se kao jedan od glazbenih simbola cijele dekade.

S tim u skladu, Akademija je dodijelila počasnog Oscara  Morriconeu. Uručio mu ga je upravo Clint Eastwood, prisjetivši se trenutka kad je prvi put začuo njegovu glazbu u ''Za šaku dolara''. ''Koji glumac ne bi želio ujahati u grad u pratnji takve muzike?'', tada je pomislio.

Talijanski je kompozitor izrazio zahvalu na materinjem jeziku svim rediteljima koji su imali vjere u njega, a Eastwood je prevodio njegove riječi.
Morricone je, između ostalog, u svom govoru izrazio oduševljene činejnicom da njegova skladba "The Ecstasy of Gold" otvara koncerete slavne Metallice. Ta se verzija melodije našla i na novom nosaču zvuka "We All Love Ennio Morricone" gdje su se izredali vrhunski glazbenici kao što su Celine Dion, Bruce Springsteen, Quincy Jones, Andrea Bocelli i drugi, kako bi svojim izvedbama odali počast veličini ovog filmskog skladatelja.

Enio Morikone (it. Ennio Morricone; rođen 10. novembra 1928. u Rimu, u Italiji) je proslavljeni italijanski kompozitor i dirigent. Njegov rani opus obuhvata simfonijsku i kamernu muziku, a ugled je gradio prvenstveno pišući muziku za film, ali i za pozorište i televiziju. Komponovao je i uredio partiture za više od 500 filmskih i televizijskih produkcija. Morikone se smatra jednim od najuticajnijih filmskih kompozitora sa kraja 1950-ih. Dobro je poznat po svojoj dugoročnoj saradnji sa međunarodno priznatim rediteljima kao što su Serđo Leone, Brajan de Palma, Bari Levinson (Barry Levinson) i Đuzepe Tornatore.



Napisao je svojstvene filmske partiture za Leonove špageti-vesterne (Spaghetti Westerns): Za šaku dolara (Fistful of Dollars, 1964); Za dolar više (For a Few Dollars More, 1965); Dobar, loš, zao (The Good, the Bad and the Ugly, 1966) i Bilo jednom na Divljem zapadu (Once Upon a Time in the West, 1968). 1980-ih Morikone komponuje partiture za: horor-film Džona Karpentera (John Carpenter), Stvor (The Thing, 1982); Leoneov Bilo jednom u Americi (Once Upon a Time in America,1984); Misiju (The Mission, 1986) Rolanda Žofea (Roland Joffé); De Palmine Nedodirljive (The Untouchables, 1987) i Kino "Paradiso" (Cinema Paradiso, 1988) Đuzepea Tornatorea.

Njegove novije kompozicije uključuju partiture za: Potpuni zaokret (U Turn, 1997) Olivera Stouna (Oliver Stone); Tornatoreove Legende o 1900 (The Legends of 1900, 1998) i Malena (Malèna, 2000), Misija na Marsu (Mission to Mars, 2000) Brajana de Palme; Fateless (2005) i Barija: kapija vetrova (Baarìa – La porta del vento, 2009). Enio Morikone je dobio dva Gremija (Grammy Award), dva Zlatna globusa (Golden Globe Award) i pet nagrada Entoni Eskuit za filmsku muziku od BAFTA-e u periodu od 1979-1992. Bio je nominovan za pet Oskara za najbolju muziku, originalnu muziku u periodu od 1979-2001. Morikone je dobio Počasnog Oskara u 2007 "za svoje veličanstvene i višestrane doprinose umetnosti filmske muzike". On je bio drugi kompozitor koji je dobio ovu nagradu poslije njenog uvođenja 1928 Morikone se rodio u Rimu kao sin Libere (Libera) i Marija (Mario) Morikonea, džez-trubača. Obrazovao se na Nacionalnoj akademiji Svete Sesilije (Accademia Nazionale di Santa Cecilia) za trubu, kompoziciju, horsku muziku, i horsko dirigovanje pod Gofredom Petrasijem (Goffredo Petrassi), koji je jako uticao na njega i kome je Morikone posvetio koncertne komade.
Morikone nije bio samo muzički napredan. Napisao je svoje prve kompozicije kad je imao 6 godina, ali je smišljeno ohrabrivan da razvija ovaj prirodni talenat i obučavan je da bude spreman da preuzme uloge oca, kako u kući, tako i na poslu.
Primoran od strane svog oca da uzme trubu, on je prvo otišao u Santa Sesiliju da uzima časove na instrumentu kad je imao 9 godina. Morikone je zvanično ušao u konzervatorijum 1940. sa 12 godina, upisavši četvorogodišnji program za harmoniju. Prema različitim izveštajima, on ga je završio ili za dve godine ili za šest meseci (približan datum). To su bile teške godine Drugog svetskog rata u žestoko bombardovanom "otvorenom gradu"; kompozitor je primetio da je ono što je najviše upamtio tih godina bila glad. Mnoge godine su provedeve u učenju, dajući mu izuzetan nivo tehničke sposobnosti da izloži svoju muziku. Njegova iskustva iz rata uticala su na mnoge njegove partiture za filmove u tom periodu.

Rihard Vagner


Rihard Vagner je bio jedan od najznačajnijih kompozitora poznog romantizma, i kao takav, i danas uživa svjetsku slavu genijalnog stvaraoca monumentalnih muzičkih drama.

Jedinstvena djela poput „Loengrin“, „Rajnsko zlato“, „Valkire“ ili „Sumrak bogova“ utemeljuju čitav jedan pravac u scenskoj umjetnosti.

200. rođendan Riharda Vagnera.  2013. godina predstavlja dvjestotu godišnjicu rođenja Riharda Vagnera.

Rihard Vagner biografija

Rihard Vagner je rođen 22. maja 1813. u Lajpcigu kao deveto dijete Fridriha i Johane Rozine Vagner i kršten je u crkvi Svetog Tomasa. Najveći dio svog djetinjstva i mladosti proveo je u Lajpcigu i Drezdenu. Zbog rane smrti oca i ponovne udaje svoje majke više puta se selio i s vremena na vrijeme su o njemu vodili računa rođaci.

Još kao učenik, Vagner je razvio veliko interesovanje za pesništvo i komponovanje. Prve časove teorije muzike održao mu je Kristijan Gotlib Miler, muzičar čuvenog lajpciškog Gevandhaus orkestra. 1831. Vagner upisuje Muzičku akademiju Univerziteta u Lajpcigu i pohađa nastavu komponovanja Kristijana Teodora Vajnlinga, ho rovođe crkve Svetog Tomasa. Betovenova opera „Fidelio“ inspirisala ga je da komponuje svoju prvu simfoniju.

Mladi muzičar je imao tek 17 godina kada je u pozorištu u Lajpcigu prvi put izvedeno njegovo delo sa uvertirom u B-duru. Tu je i sazrela njegova odluka da se bavi muzikom.

Između 1833. i 1839. radio je Vagner u Operama u Vircburgu, Magdeburgu, Keningsbergu i Rigi kao kapelan, dirigent i na drugim pozicijama. Kao i mnogim njegovim savremenicima primanja su mu jedva omogućavala da preživi, pa je stoga uzimao kredite kod imućnih građana.

Veoma zadužen, Vagner je 1839. pobegao u Pariz, ali je uspjeh koji je tamo očekivao izostao. Pod svijetla reflektora uspio je da dođe izvođenjem „Rijencija“ 1842. godine u Dvorskom pozorištu u Drezdenu. Postao je poznat kao operski kompozitor i preselio se u Drezden gde je dobio poziciju drugog kapelana. Nakon toga nastala su izuzetno poznata dela „Tanhojzer“ i „Loengrin“.

Kao ostrašćeni demokrata podržavao je građansku revoluciju, što ga je koštalo službe.

Uz pomoć Franca Lista pobegao je u egzil u Cirih, gde je nakon početnih poteškoća uspeo da ponovo ostvari uspeh. U Cirihu je, između ostalog, nastao jedan od njegovih najznačajnijih teorijskih spisa „Umetničko delo budućnosti“.

Pošto je primio vijest o amnestiji, vratio se u Zahsen da bi dirigovao uvertire za „Majstore pevače iz Nirnberga“. Uspjeh je u početku stizao sporo i postepeno. Dolaskom Angela Nojmana na mesto rukovodioca Gradskog pozorišta u Lajpcigu 1870. počinje zlatno doba Vagnerovih opera u Zahsenu.

Nakon što je poravnao Vagnerove dugove, mladi bavarski kralj Ludvig II dovodi umetnika 1864. u Minhen. Ovdje počinje doba njegovog neometanog stvaranja bez finansijskih poteškoća. Vagner se 1870. ženi po drugi put 24 godine mlađom Kozimom fon Bilov i zajedno se sele u Bajrot. Njihovo troje dece odraslo je u vili Vanfrid koju je Vagner sagradio 1874. Godine 1872. usledilo je polaganje kamena temeljca za izgradnju Vagnerove operske dvorane, čije je podizanje finansirao Ludvig II. Opera u Bajrotu svečano je otvorena 1876. uz premijerno izvođenje „Prstena Nibelunga“.

Rihard Vagner je umro 13. februara 1883. u Veneciji.

Cosima von Bulow (1837 – 1930) bila je vanbračna ćerka Franca Lista i grofice Marije d’Agoult. Bila je udata za dirigenta Hansa von Bulowa sa kojim je imala dvoje dece i koji je dirigovao dela Riharda Wagnera.

Ona se zaljubljuje u Wagnera, dobija sa njim čak troje vanbračne dece, pre nego što je napustila svog muža  i udala se za njega. Prvo su Vagner i Kozioma dobili ćerku, koju su nazvali Izolda, a zatim Evu i Zigfrida.

Živeli su u vili pored pored Lucerna. Priča se da je Vagner imao i u braku sa njom ljubavnice, ali je ostao sa njom do kraja života.

Kozima je u mnogome pomogla da se ustanovi festival u Bajrotu i nakon Vagnerove smrti bila zaduzena za njegovo funkcionisanje.

четвртак, 31. октобар 2013.

Mike Oldfield

Pravim imenom Michael Gordon Oldfield (r. 15.5.1953., Reading, Berkshire, Engleska), Mike Oldfield britanski je multiinstrumentalist, kompozitor, tekstopisac i producent.
Oldfildova karijera počela je veoma rano, kada je kao dečak svirao gitaru u lokalnim folk klubovima. Tada je već imao dva petnaestominutna instrumentalna komada u kojima je „prošao kroz sve muzičke pravce“, koji su bili preteča njegovih prepoznatljivih kompozicija iz 1970ih. U ranim tinejdžerskim godinama priključuje se bit grupi koja je svirala muziku nalik onoj grupe The Shadows. Oldfild je oduvek naglašavao da je Henk Marvin na njega imao najveći uticaj. Godine 1967. sa sestrom Sali osniva folk duo The Sallyangie. Sledeće godine izdaju album Children of the Sun, ali se ujesen iste godine bend raspao zbog kreativnih nesuglasica. Nakon toga, sa bratom Terijem osniva bend Barefoot koji ga vraća rok muzici.
Godine 1970. se priključuje bendu bivšeg pevača grupe Soft Machine Kevinu Ersu u kojem svira bas. U bendu je bio i klavijaturista i kompozitor Dejvid Bedford koji je ohrabrivao Oldfilda u pravljenju rane verzije albuma Tubular Bells. Bedford je kasnije ugovorio i organizovao orkestarsku verziju tog albuma. Oldfild je sa Ersom snimio dva albuma — Whatevershebringswesing i Shooting At The Moon. Oba albuma sadržala su rane verzije onoga što će postati njegov muzički zaštitni znak.
Nakon što je snimio demo verziju albuma Tubular Bells, Oldfild je pokušao da nekoga iz muzičke industrije ubedi da prihvati projekat, ali mu je svuda rečeno kako projekat nije komercijalan. Ipak, 1972. upoznaje mladog Ričarda Bransona koji je osnivao sopstvenu izdavačku kuću, Virgin Records, i nakon što je toncima Tomu Njumanu i Sajmonu Hejvortu pustio demo, počeo je da snima verziju albuma iz 1973.om svoje više od četiri desetljeća duge karijere prolazeći kroz razne glazbene faze - od progresivnog rocka, folka i world glazbe preko mainstream pop-rocka pa sve do elektronike, new agea i klasike, postao je jedna od najistaknutijih te najuspješnijih ličnosti moderne britanske glazbene scene svih vremena.
Svojom kompleksnom osobnošću, iznimnim talentom te neiscrpnom energijom i upornošću do sada je između ostaloga sveukupno uspio objaviti 24 studijska i nekoliko kompilacijskih albuma od kojih je prvi - "Tubular Bells" iz 1973. godine ostvario status klasika.
Prodao je nekoliko desetaka milijuna albuma diljem svijeta.
(Osim Hornchurch Grammar School tijekom svoje mladosti također je pohađao Highlands Junior School u Tilehurstu, zatim St Edward's Preparatory School te Presentation College u Readingu.)
      Nije tako jednostavno klasifikovati Mike Oldfield-a u bilo koju posebnu muzičku kategoriju; malo je previše ''rokerski'' nastrojen da bi se svrstao u čistu elektronsku muziku, a u isto vreme i previše '' ambijentalan'' za jednog rokera. Ipak, većina obožavalaca elektronske muzike smatra Oldfield-a za jednog od svojih gurua – naročito dok su slušali elektronsku muziku u svojim najranijim danima.

  Ono sto je najznačajnije kada je Oldfield u pitanju jeste njegov eklektički pristup: nema nijednog određenog muzičkog pravca kojem je pokušao da se prikloni, a sa druge strane, oduvek je imao potrebu da stvara dovoljno komercijalnu muziku. Ovo nikako ne znači da njegovi albumi nisu ni na koji način posebni, naprotiv. Mike-ovi muzički zapisi uvek su bili obojeni poznatim zvukom njegove gitare i naravno, cevastim zvonima. Upravo je ''Cevasta zvona'' naslov Oldfield-ovog prvenca iz 1973. Kao i drugi autori, i on je tokom svoje karijere prolazio kroz razne faze. Sa današnje tačke gledišta, možemo jasno da sagledamo dve faze. Prva je čisto instrumentalna, sa minimalnim uticajem roka i jasno izraženim doživljajem mirnog i sentimentalnog muzičkog prostora. Druga faza je prožeta kraćim formama i radio hitovima, koji su mu i doneli najveću popularnost. Naslovi kao što su “Moonlight Shadow”, “Shadow On The Wall” ili “To France” doveli su Mike Oldfield-a do muzičkih visina. Sa druge strane, albumi “Ommadawn”, “Incantations”, eksperimentalni “Amarok”, kasnije “The Songs Of The Distant Earth” i čuveni “Tubular Bells 1-2-3” prikazuju Mike-ov osobeni muzički svet. To je svet harmonije, opuštajuće i povremeno dramatične atmosfere, prožete jakim uticajem optimističkih pogleda na život. U poređenju sa drugim autorima elektronske muzike, Oldfield možda ima i najveći broj hitova i kompilacija tipa “Best Of” i oni pokrivaju celokupno njegovo stvaralaštvo, prikazujući na koliko različitih nivoa on može da radi. To su jazz, ethno, rock... Za Hi-Fi zaljubljenike, Mike-ovi albumi su vremenom postali primer najbolje moguće muzičke produkcije današnjice. Kada su u pitanju njegovi nastupi uživo, pomenimo događaje poput Knebworth Festival-a osamdesetih godina, zatim promocije njegovih ''Cevastih zvona'', pa sve do novog Millenium Concert-a u Berlinu, koji je svakako bio fenomenalan muzički događaj.

недеља, 27. октобар 2013.

TANGO JALOUSIE

Zanimljivo je da je najpoznatiji tango (igra koja je nastala u Argentini) napisao zapravo danski kompozitor Jakob Gade, u Kopenhagenu. Reč je o kompoziciji„Tango ljubomore“ („Tango Jalousie“) ili samo „Ljubomora“ („Jalousie“ ), koji je Gade napisao za jedan nemi film. Kažu da ga je za ovu muziku inspirisao članak u novinama u kome je objavljeno da je muž, u napadu ljubomore, ubio svoju ženu.
Ovo delo premijerno je izvedeno 14. septembra 1925. godine i u neverovano kratkom roku osvojilo je svet.  Ubraja se među pet najpopularnijih kompozicija ikada napisanih i smatra se da je u `70-ima bar jednom na svaki minut ova kompozicija bila emitovana na nekoj od radio stanica negde u svetu .
Iako je ovaj tango originalno komponovan kao instrumental, kasnije je u svakoj zemlji urađena i verzija sa tekstom. Korišćen je u više od 100 filmova i TV serija.

Uživajte! :)

субота, 26. октобар 2013.

BOLERO

Zanimljivo je kako je ovo delo uopšte nastalo.
Poznata balerina Ida Rubinštajn zamolila je Ravela da napravi orkestarsku verziju Albenizove klavirske svite „Iberija“ kao muzičku podlogu za jedan njen balet. Ravel je pristao, ali je posle nekog vremena saznao da je svitu već orkestrirao španski dirigent Enrike Arbos i da je zakonom o autorskim pravima zabranjena još jedna orkestracija istog dela. Međutim, kada je Arbos čuo da i Ravel želi da napravi orkestraciju „Iberije“, izjavio je da će se rado odreći svojih prava u Ravelovu korist.
To se ipak nije desilo, jer se Ravel predomislio i odlučio da će napraviti orkestarsku verziju nekog svog dela, da bi se posle nekog vremena opet predomislio i odlučio da napravi potpuno novo delo. Rešio je da napravi eksperiment tako što će jednu kratku temu ponavljati neprestano, bez ikakvog daljeg razvoja, ali će zato postepeno povećavati broj instrumenata u orkestru i jačinu zvuka.
Balet se u početku zvao „Fandango“ (vrsta igre), ali ga je Ravel ubrzo preimenovao u „Bolero“. Premijerno je izveden 22. novembra 1928. godine u Operi u Parizu i doživeo je neverovatan uspeh.  Vrlo brzo, ovo je postalo jedno od Ravelovih najpopularnijih dela, što je kompozitora iznenadilo.
Iako je pisan kao muzika za balet, ovaj komad se mnogo češće izvodi kao orkestarska kompozicija.  Popularizaciji komada je doprineo i poznati dirigent Arturo Toskanini, koji je, u saradnji sa Njujorškom Filharmonijom,  premijerno izveo delo u Americi 1929. godine. Već sledeće godine Toskanini je sa Njujorškom filharmonijom nastupao i u Parizu, gde su ponovo izveli „Bolero“, ali je ovoga puta Toskanini napravio male izmene. Naime, izveo je delo u bržem tempu od onog koji je bio predviđen, a napravio je i ubrzanje (accelerando) na kraju. Publika je bila oduševljena ovakvim izvođenjem, ali se Ravelu to nije dopalo. Postoji čak i priča da su se njih dvojica verbalno sukobili iza pozornice. Navodno, Ravel je prebacio Toskaniniju što je previše ubrzao tempo, na šta mu je Toskanini odgovorio da je to bio jedini način da napravi delo efektnim. Ravel mu je tada rekao da, ukoliko mu se delo ne sviđa, onda ne treba ni da ga izvodi…
Srećom, posle desetak dana, Ravel i Toskanini su izgladili nesporazum, a Ravel je čak pozvao Toskaninija da diriguje jednim njegovim klavirskim koncertom. Zanimljivo je i to da je zahvaljujući ovom incidentu „Bolero“ postao još popularniji.

недеља, 20. октобар 2013.

Igor Stravinski i Koko Šanel – žar ptica ljubavi muzike i mode


Igor Fjodorovič Stravinski (Oranienbaum, 17. jun 1882 — Njujork, 6. april 1971), je bio ruski kompozitor, kojeg danas mnogi, i na zapadu i u njegovoj rodnoj domovini, smatraju jednim od najuticajnijih kompozitora XX veka. Od 1910. godine živio je u Švajcarskoj i Francuskoj, a od 1937. godine u SAD. Američki državljanin je postao 1945.

Bio je otelotvorenje kosmopolitskog Rusa kojeg je Tajm naveo kao jednog od najuticajnijih ljudi XX veka. Pored priznanja koja je dobio za svoje kompozicije, stekao je slavu i kao dirigent i kao pijanista, najčešće na premijerama vlastitih dela. Godine 1939. i 1940. predavao je muzičku estetiku na Harvard univerzitetu u Bostonu (predavanja objavljena pod naslovom Muzička poetika 1942).

Odlikuje se velikom raznovrsnošću muzičkog izraza i stilske orjentacije. U prvoj fazi je spajao ruske folklorne elemente sa impresionizmom, zatim je bio ekspresionista sa čestim oslanjanjem na džez, a kasnije je primenio neoklasični stil. U poslednjoj fazi je koristio principe dodekafonije. Imao je veliki uticaj na svoje mlađe savremenike u mnogim zemljama.

Međunarodnu slavu prvo je stekao sa svoja tri baleta, koja je naručio Sergej Dijagilev, a čiji ih je Bale ruse i premijerno izveo. Ta tri baleta su Žar-ptica (1910), Petruška (1911) i Posvećenje proleća (1913). Posvećenje proleća, čija je premijera izazvala pobunu publike i javnosti, preobrazila je način na koji su kasniji kompozitori gledali na ritmičku strukturu.
Koko Šanel (1883-1971) bila je poznati francuski dizajner i osnivač modne kompanije i svetski poznate marke Šanel.
Sa Igorom Stravinskim upoznao ju je veliki baletski umetnik Sergej Djagiljev. Nakon revolucije u Rusiji, Stravinski se sa porodicom doselio u Pariz gde je sa svojom porodicom odseo u vili Koko Sanel. Tu se romansa i odigrala. Stravinski je bio ozenjen, pa je aferu krio od javnosti.
Kazu da je ova veza na njih duboko uticala i da se to naročito odrazilo u njihovom stvaralaštvu.

Aleksandra Popović

субота, 19. октобар 2013.

Jean-Michael Jarre



Punim imenom Jean-Michel Andre Jarre (rođen 24. kolovoza 1948, Lyon, Francuska) francuski jekompozitor i producent. 
Sin je slavnog kompozitora filmske glazbe, Mauricea Jarrea (komponirao glazbu za film "Doktor Živago"), i France Pejot. Poznat je kao jedan od pionira te inovatora u elektronskoj glazbi, sint-popa i
New Age-a.
Do sada je prodao više od 80 milijuna albuma širom svijeta što ga trenutno čini 64.-im najprodavanijim izvođačem u svijetu svih vremena. Smatran čudom od djeteta, počeo je svirati klavir i gitaru u Pariškom Konzervatoriju u dobi od 5 godina da bi ga kasnije napustio te se nakratko pridružio Grupi Za Glazbena Istraživanja Pierrea Schaeffera u sklopu koje 1967. radi svoj prvi profesionalni uradak, glazbu za film "Des Garcons Et Des Filles".. Od momenta objavljivanja njegovog prvenca, albuma “Oxygene” iz 1976., Jarre-ovo ime je svakako najpoznatije u ovoj vrsti muzike, ne samo zbog spektakularnih koncerata i multimedijalnih predstava, već i zbog posebnog koncepta i pristupa stvaranju muzike. Album “Oxygene”, kao i naredni “Equinoxe” i “Magnetic Fields”, predstavljaju prvu fazu u radu Jean-Michel Jarre-a. Ovi snimci, napravljeni uz pomoć analognih sintisajzera i sekvencera, bili su kao kreacija iz drugog svijeta, paralelnog onom iz naše svakodnevnice. Nakon velike turneje po Kini iz 1981., slijedi druga muzička revolucija, nazvana “Zoolook”, koja se po konceptu i produkciji razlikuje od onog što je do tada radio, ali je i dalje bilo vrlo progresivno u to vreme: korišćenje semplovanih vokala i digitalnih sintisajzera postaće ubrzo nakon toga standard u elektronskoj i pop muzici. Albumi “Rendez-Vous” i “Revolutions” donijeli su Jarre-u još širu popularnost, i to se ne ogleda samo u nekolicini svetskih radio i TV hitova, već i u milionima posjetilaca njegovih koncerata u Hjustonu i Lionu 1986. i Londonu 1988. godine. Sledi album “Waiting For Cousteau”, koji je urađen tipično u Jarre-ovom maniru; naslovna numera je potpuno atmosferično, meditativno delo, koje se još uvek smatra za nezvaničnu himnu među njegovim fanovima. “Chronologie” iz 1993. donio je i prvu evropsku turneju, dok je sledeći album, “Oxygene 7-13”, bio istinski povratak Jarre-ovim prirodnim korenima, jer je ponovo koristio analogne sintisajzere i ritam mašine. Napravljena je serija izvandrednih koncerata po Evropi, od kojih je najčuveniji onaj u Moskvi, prilikom proslave 850-to godišnjice postojanja ovog grada. Nakon toga, počinje najnovija faza u Jarre-vom radu, u kome on kombinuje vokale, savremene ritmove, klupsku i lounge atmosferu, istovremeno se dotičući raznih muzičkih stilova, kao što su džez ili tehno. “Metamorphoses”, “Sessions 2000” i “Geometry Of Love” su napravljeni tako da donose različita raspoloženja, ali ipak svi oni zadržavaju neki Jarre-ov muzički pečat. Njegov najnoviji “Best Of” pod nazivom “Aero” sadrži stare hitove sa tri nove numere, u osnovi urađene u Jarre-ovom specifičnom muzičkom maniru. Mnogi DJ-evi i muzički producenti ponovo su aranžirali Jarre-ovu muziku, priznajući njegov nemerljiv uticaj na današnju muzičku scenu.

петак, 18. октобар 2013.

FADO


Lisabon, prestonica Portugala, grad izgrađen na sedam brda, jedna je od vrlo privlačnih destinacija kulturološki bogate Evrope. O ovom gradu mnogi su pisali različite pesme, priče, romane... Ali svi su saglasni u jednom − najkarakterističnija i najvrednija koja se može poneti iz Lisabona je fado.
Fado se smatra portugalskom nacionalnom muzikom. Godina koja se obično uzima kao početak fado muzike je 1820, iako ima tragova koji govore da se fado izvodio i ranije. Karakteristika ove muzike je setna i tužna nota, a tekstovi su obično o moru i siromaštvu. Fado je obično izvodio pevač u pratnji gitariste i svirača portugalske gitare. Danas fado izvodi pevač u pratnji gudačkog kvarteta, a sve češće i celog orkestra.


Ako bismo želeli da sa portugalskog prevedemo reč fado, najprikladnija zamena bi bila sudbina ili, još bolje, usud. I baš kao što se mi volimo „hvaliti“ kako jedini imamo reč inat – neprevodivu na druge jezike jer u isto vreme predstavlja specifičnu emociju i karatkternu osobinu, tako su i stanovnici Portugala ponosni na svoju reč saudad. Saudad je trenutak u kome čovek oseća tugu, nostalgiju, jaku težnju za „nečim što se nema i čega ne može biti“, kako je objasnila Cesaria Evora. Pa opet, u ovom melanholičnom stanju, čovek oseća i neku vrstu radosti i optimizma, čudnu vrstu sreće zbog tuge u sebi. Fado je muzički izraz ovog kompleksnog osećanja, koje vešti pevač fado muzike svojim setnim i dubokim glasom prenosi na publiku, čak i onda kada publika ne razume nijednu reč pesme.
Dve glavne vrste fada su lisabonski i coimbranski fado. Poznavaoci kažu da je lisabonski fado popularniji, dok je coimbranski prefinjeniji. U Lisabonu se dobar fado pohvaljuje aplauzom, dok se u Coimbru to čini vrstom nakašljavanja.
Prva proslavljenja pevačica fado muzike bila je Maria Severa krajem 19. veka. Najpopularnija pevačica fada bila jeAmalia Rodrigez (Amalia da Piedad Rodrigues). Sredinom 20. veka upoznala je svet sa fado muzikom, popularizovala je i time postala Rainha do Fado – Kraljica fada. Svojim nastupima širom sveta postala je međunarodna zvezda. Njen dubok i setni glas očarao je publiku od Amerike  preko Evrope pa sve do dalekog Japana. Zanimljivo je da je ova pevačica bila izuzetno popularna u SSSR-u i Rumuniji i imala brojne nastupe u inače kulturno zatvorenoj zoni socijalizma. Umrla je u 76. godini, a na dan njene smrti vlasti Portugala su proglasile dan žalosti.
Trenutno je najpopularnija pevačica fada Mariza Fado (Marisa dos Peis Nunes) sa preko milion prodatih ploča širom sveta. Mariza je već nekoliko puta nastupila pred srpskom publikom. Njen poslednji nastup u našoj zemlji odigrao se u punom Sava Centru, u Beogradu, 2010. godine.
Osim Marize, mnoge pevačice i pevači su svojim pesmama naveli ceo svet da se zaljubi u fado muziku... Neki od njih su svakako: Kristina BrankoAna MouraKarminjo, Maria Ana Bobone, Rikardo Ribeiro, Migel Kapućo i još mnogo drugih.
O popularnosti fado muzike svedoči činjenica da mnogi mladi Portugalci žele da se bave fado muzikom. Fado muzika je neodvojivi deo svakodnevice stanovnika Portugalije. Ova neobična i duboka muzika uspela je da nađe svoj put do najudaljenijih predela planete i pobedi jezičke i kulturne barijere. Jedan je od najtežih oblika portugalske muzičke ekspresije a kada se dobro izvodi plijeni ljubav i pažnju...

четвртак, 10. октобар 2013.

RONI BENISE


 Benise dolazi iz male farme 30 km zapadno od Grand Island, Nebraska .  Samouki gitarist počeo je svirati u dobi od jedanaest u lokalnim bendovima kao tinejdžer.  Njegovi roditelji su mislili da će se pridružiti u  obiteljski posao, ali on je htio nastaviti rock karijeru. Osjećao se  ograničen svojoj kući u udaljenom mjestu, pa se preselio u južnu Kaliforniju u 1999. Čistio bazene, i svirao gitaru u rock bendovima noću.  Slijedio je svoj san želeći da postane zvijezda.U intervjuu Varela Chuy u San Francisco Chronicle , Benise broji Jimmy Page , Jimi Hendrix , te "Sve velikane" koji su imali uticaj na njega.



Benise je naletio na  španjolsku gitaru slušajući radio, i nešto je kliknulo. "Mislim da postoje trenuci u svačijem životu kada se sve mijenja", rekao je.Dobio je najlon string gitaru i počeo ponovno učenje instrumenta. Benise je dao u  mirovinu svoju električnu gitaru pa se usredotočio isključivo na njegovom novom instrumentu. On španjolsku gitaru u kombinaciji naziva "rockmenco", Uspio je da spoji latinske ritmove sa cirkuskom atmosferom.Spaja svijet glazbe( flamenko, salsu, tango, sambu sa naglašenim afričkim plemenskim ritmovima) sa rokom stvarajući jedan vrhunski zvuk.. Dakle Benise formirana uličnu skupinu. Svirali su oko 225 puta godišnje, nigdje nije bilo turista, izvedbom izvorne pjesme i prodaja CD-a.  Uskoro, on i njegov bend su  primjećeni od strane klubova.Opisuje svoj ​​stil kao “Nouveau Spanish Flamenco Guitarist”

Do danas, Benise je producirao osam CD-ova (od sedam studio, jedan live) i dva DVD-a. On posjeduje nezavisnu izdavačku kuću, Rosanegra Music.

Noći of Fire! 

Benise je početni uspjeh doveo do Nights of Fire!, proizvodnje, koji je emitiran na PBS širom zemlje.   . Uz cirkuske izvođače, samba plesačice i afričke bubnjare nastupaju

"Ponude su  zatim dolazile iz izdavačkih kuća, ali Benise ih odbio, čekao je pravu priliku.. On je konačno pronašao upravljanje koje  mu se svidjelo u Doc McGhee , koji je otkrio Bon Jovi , Kiss , Motley Crue , i drugi.

Promatrajući kako PBS uvela masovnu publiku na Yanni , Sarah Brightman , i Riverdance , on je odlučio da se spaja s mrežom što je bilo logično.. Stvorio je ekvivalent pozornice mjuzikla, s instrumentalnim djelima  za gitaru koje omogućavaju  ritmove i melodije za stvaranje fantastične priče. " 

Mješavina materijala u noći od vatre  uključuje brazilsku sambu, kubansku salsu, španjolski flamenco, argentinski tango, čak i afričke plemenske napjeve i bubnjeve. Proizvodnja je  dobila Emmy za svoje kostime. Benise kaže: "Ja cijenim glazbu iz cijelog svijeta, a  vjerujem da mi je osjećaj  dopustio da ih prigrlim  sve, da ih uključim u pjesme koje pišem, glazbu koju pjevamo. Kad me ljudi pitaju što je to, ja im kažem da je to kombinacija bluesa, jazza, salse, rock i više, ali u hipper stilu ".  neki opisuju Roni Benise je Noći of Fire-  kao križ između Latinske Riverdance i Cirque du Soleil. 40-osoba učestvuje u  sviranju egzotičnih bubnjeva, ciganske violine, flamenco plesačice, cirkuske izvođače, brazilski plesači sambe i udaraljkaše, afričkih plemenskih bubnjara, rogove i rasvjeta tehničara.

среда, 2. октобар 2013.

ĐAVOLJI VIOLINISTA

Italijanski kompozitor i violinista, Nikolo Paganini (Nicollò Paganini), smatra se jednim od najvećih virtuoza na violini. Njegov otac bio je lučki radnik, ali i veliki obožavalac muzike. Svog sina je još u petoj godini učio da svira na mandolini, a od sedme godine Nikolo uči i sviranje na violini. Počinje da uzima časove i kod raznih violinista, prvo u Đenovi, a onda i u Parmi, ali zahvaljujući svom neverovatnom talentu, vrlo brzo prevazilazi svoje učitelje.
Oko 1800. godine, sa samo 18 godina, Paganini kreće na koncertnu turneju po celoj Italiji. Njegovi koncerti bili su potpuno neuobičajeni za to vreme. Na violini je izvodio prave vratolomije, nešto što publika do tada još nije videla. Između ostalog, svirao je pizzicato i levom i desnom rukom, a često je izvodio i celu kompoziciju na samo jednoj žici.
Njegova evropska slava počinje od 1813. godine, kada je održao jedan od svojih neverovatnih koncerata u čuvenoj La Scali u Milanu. Od tada njegovi nastupi postaju pravi mondenski događaji na kojima se okuplja tadašnja elita. Iako je cena karte bivala svaki put sve veća, koncertne dvorane su svaki put bile pune.
Zbog svojih neverovatnih tehničkih i muzičkih sposobnosti, verovalo se čak da je Paganini bio u dosluhu sa samom đavolom. Njegova pojava išla je u prilog tim glasinama – bio je veoma mršav, bledog i oštrog lica, raščupane kose.. Bez obzira na sve to, uživao je veliki ugled i poštovanje, a žene su ga svakodnevno opsedale.
Paganini je svirao na violini čuvenog Đuzepea Gvarnerija, koju mu je poklonio jedan bogati obožavalac. Ovu violinu Nikolo je nazvao „Top“ („Il Cannone“), zbog njenog snažnog i eksplozivnog zvuka. Zanimljivo je da su sve žice na toj violini bile postavljene na istoj visini, za razliku od uobičajene postavke žica. Verovatno je i to bio jedan od razloga što je Paganini mogao da svira istovremeno na tri ili čak sve četiri žice. Svoju violinu zavetovao je Đenovi, svom rodnom gradu, gde se može videti i danas.
Kao kompozitor, Paganini je bio inspiracija mnogim kompozitorima. Njegov finaleDrugog violinskog koncerta Franc List je preradio za klavir – čuvena „La Campanella“. Johanes Brams i Sergej Rahmanjinov (između ostalih) napisali su varijacije na Paganinijev 24-ti Kapris u a-mollu. Paganini je veoma ljubomorno čuvao svoje kompozicije. Na probama sa orkestrom nikada nije svirao celu deonicu violine, a na koncertima je svoja dela uglavnom izvodio napamet.
Još 1820. godine, usled konstantnog koncertiranja i putovanja, kod Paganinija su se pojavili prvi znaci iscrpljenosti. Njegovo zdravlje bilo je dodatno pogoršano trovanjem živom, koja se u to vreme koristila za lečenje sifilisa. Čak je polako počeo i da gubi vid. Međutim, sedam godina kasnije, uspeva da se ponovo vrati na scenu. Posle još jedne serije iscrpljujućih koncerata (održao ih je više od 150!), sve bolesniji, Paganini se vraća u svoju vilu u Parmi, gde nastavlja da drži lokalne koncerte. Svoj poslednji koncert održao je u Torinu 16. juna 1837. godine.


Poslednje godine svog života Paganini provodi u Parizu i Nici sa svojim sinom. Umro je na današnji dan, 27. maja 1840. godine, od tuberkuloze grla

петак, 13. септембар 2013.

LABUDOVO JEZERO

Ruski kompozitor Petar Ilic Cajkovski, koji se proslavio sa svoja tri baleta - "Labudovo jezero", "Uspavana lepotica" i "Krcko Orascic" - jedan je od kompozitora na koje je Mocart izvrsio najjaci uticaj.


Petar Cajkovski je najveci ruski kompozitor, koji je imao najvise zivotnih nedaca (1840 - 1893). Introvertan, neurotican, povredljiv - njegov se zivot sastojao od patnje.

Rodjen je u Votkinsonu, rudarskom mestu na planini Ural, kao sin inzenjera rudarstva. Jos od detinjstva je imao veoma osecajnu prirodu. Do sedme godine, pisao je pesme na francuskom i tiho plakao kada bi cuo muziku iz svoje muzicke kutije. Kasnije, kada je imao priblizno 22 godine, bio je jedan od prvih studenata koji su se upisali na novootvoreni Konzervatorijum u Sankt Petersburgu, gde se obrazovao za zvanje muzicara.

Cajkovski je zavrsio Konzervatorijum kao najbolji u klasi, a potom mu je ponudjeno da radi kao profesor na Moskovskom konzervatorijumu. Ubrzo potom je objavio svoju prvu simfoniju, prvu pravu rusku simfoniju.



Medjutim, zivot mu nije obilovao radoscu. Imao je nesrecan brak sa jednom od svojih bivsih studentkinja kompozicije, a kasnije je bio umesan u neke homoseksualne skandale. Umro je u svojoj 53. godini, u Sankt Petersburgu. Smatra se da je umro od kolere, ali preovladava teorija po kojoj se otrovao arsenikom, sa namerom da spreci otkrivanje homoseksualnog skandala u koji je bio umesan.Bez obzira na to, ovaj ruski kompozitor za sobom je ostavio brojna remek dela, kao sto su muzika koju je pisao za klasican ruski balet, sest simfonija i tri klavirska koncerta. Najveci dar Cajkovskog bila je melodija - Cajkovski je u svoja dela utkao cele melodije, a ne samo male odlomke. Njegov balet Romeo i Julija jeste muzicko delo ljubavi i zanosa. Balet Krcko Orascic postao je najpopularniji balet na svetu - uzimajuci u obzir to da se vecim delom svog zivota zlopatio, zapanjujuca je sposobnost Cajkovskog da komponuje tako vedru muziku kao sto je Krcko Orascic.

Medjutim, njegova najbolja muzika daleko je od toga da bude vesela. Njegova Simfonija br. 6, poznata kao Pateticna, predstavlja najintimnije delo, s najdubljim osecanjima, koje je izaslo iz pera ovog napacenog umetnika. Mnogi muzicari veruju da uspinjuce, ceznjive melodije simfonije odrazavaju agoniju tajnog zivota. Najpotresniji je poslednji stav u kome se Cajkovski odrice zelje za zivotom.

Pateticna simfonija postala je sudbinska - samo nedelju dana posle prvog izvodjenja, Cajkovski se ubio...

Zabelezeno je da je Mocart imao veliki uticaj na njega, o cemu govore citati:

"Muzika iz Don Djovanija me je duboko dirnula vec prvi put kada sam je cuo. Nekada sam voleo italijansku operu, ali zbog Mocarta sam odlucio da svoj zivot posvetim muzici."


"Verovatno da prema Mocartovoj muzici osecam tako duboku ljubav zato sto sam se u detinjstvu osecao usamljenim i tuznim, i uvek sam utehu i dusevni mir nalazio u njegovoj muzici koja odise njegovom ljubavlju prema zivotu, sto je karakteristicno za njegov snazan i vitalan duh."

петак, 6. септембар 2013.

JOHAN SEBASTIJAN BAH




Johan Sebastijan Bah se rodio u Ajzenharu 1685. godine i potekao je iz porodice sa dugom muzickom tradicijom. Zbog oceve smrti, on je poceo da radi kao veoma mlad, pevajuci i svirajuci na violini u raznim gradovima sirom Nemacke. Medjutim, njegova zelja bila je da postane veliki virtuoz na orguljama, pa je 1705. godine otisao u Lubek da studira ovaj instrument u klasi Brukstenhuda.

Nakon studija, Bah je sebi obezbedio posao kao zvancini orguljas na dvoru vojvode Saksvejmara gde se brzo razvio u jednog od najboljih muzicara svoga vremena. Tu je ekperminentisao, koristeci razne stilove crkvene muzike koje je kasnije usavrsio i komponovao dela kao sto su Preludijum i Tokata.

Njegovo sledece radno mesto kapelmajstora (dirigenta) na dvoru princa Leopolda u Kutenu, udaljio je Baha od crkvene muzike. Ovde je imao orkestar koji je trebalo da uvezbava, nije imao orgulje tako da se koncentrisao na cembalo i klavikord. Tokom tog perioda njegovo stvaralastvo svetovne (sekularne) muzike - koncerte, sonate i svite - bilo je ogromno.U zrelim godinama, Bah je imao najvazniju poziciju u muzickom svetu luteranske Evrope: kantor u crkvi Sv. Tome u Lajpcigu. Tokom tog perioda vise je komponovao horsku muziku, koja ga je i odvela u carstvo knatata, pasija i opatorijuma.

MUZIKA ZA BOGA

Iako je Bahova muzika bila slozena i zahtevala veliku vestinu izvodjenja, njegov pristup nije bio samo intelektualne prorode. Bio je religiozan covek i njegov glavni prioritet bio je obozavanje Boga.


уторак, 3. септембар 2013.

Josh Groban




Joshua Winslow "Josh" Groban (rođen 27. Februara, 1981) je američki pjevač, tekstopisac, muzičar, glumac, i muzički režiser.

Otac Jack  i majka Lyndi pružili su njemu i njegovom mlađem bratu Chrisu djetinjstvo puno ljubavi, potpore i glazbe. Bio je izložen raznovrsnoj muzici kao dijete od rocka do opere. Klavir je naučio svirati po sluhu..Njegova prva četiri solo albuma dobila su sertifikat multi-platinum, i 2007 goidine, proglašen je za najboljeg umetnika u USA, koji je prodao preko 21 milion diskova. Do danas je prodao preko 40 miliona diskova, a prema Nielsen SoundScan Measurements-u njegovi diskovi su najprodavaniji diskovi klasične muzike 2000tih godina.

 Groban je prvo studirao glumu, ali kako su se razvile njegove vokalne sposobnosti počeo je da se bavi pjevanjem. Studirao je u Los Angeles High School for the Arts, besplatni univerzitet koji je obrazovao svoje studente prema konzervativnim pravilima. Život mu se promjenio kada je njegov profesor pjevanja, Seth Riggs, proslijedio snimak pesme "All I Ask of You" iz mjuzikla "Fantom iz opere", engleskog kompozitora Endrjua Lojda Vebera, svom prijatelju, producentu i kompozitoru David Foster-u. Foster ga je pozvao da nastupi zajedno sa Celine Dion u izvođenju pesme "The Prayer", umesto Andre Bočelija.
Bio je gost u "The Oprah Winfrey Show" šest puta, kao i u "The Ellen DeGeneres Show", "Larry King Live", "The Rosie O'Donnell Show", "Tim & Eric Awesome Show", "Great Job!", "The Tonight Show with Jay Leno", "Today", "Macy's Thanksgiving Day Parade", "Super Bowl XXXVIII", i " The Walt Disney World Christmas Day Parade","The Rockefeller Tree Lighting".
Glumio je Malcolm Wyatt-a, propovedikovog sina u "Ally McBeal", epizode "The Wedding" i "Nine One One" (2001).

уторак, 16. јул 2013.

NEW AGE MUZIKA

New age glazba jest suvremena mahom instrumentalna glazba rođena iz estetike koja je zagovarala unutarnju harmoniju i meditaciju.
Karakteriše  je: - ritmička nenametljivost
- instrumentalna perfekcija
- sofisticirana – često prenaglašena – produkcija
- slojeviti aranžmani (komorni jazz)
NEW AGE = NOVO DOBA
New age glazba što je stvaraju ti glazbenici uglavnom je mirna i podobna za meditaciju.
Najčešći su instrumenti sekvencer i sintetizator, a koriste se i jednostavna akustična glazbala.

Termin ˝New Age˝ bio je jasna veza sa spiritualnim raspoloženjem koje je prevladavalo hippie-generacijom. Kako su odrastali, bivši hipiji postali su sve zainteresiraniji za istočnjačke metode meditacije i opuštanja. Oni su postali bitan dio njihovog načina života, i ubrzo stvorili tržište i za književnost i za umjetnosti.Smatram da New Age glazba gradi mostove između svijesti i podsvijesti koja se događa u melodičnim zvukovima, ali i u ritmičkim i meditativnim frazama.

YANNI -TRIBUTE



Ovaj album varira od New Age, preko istočne folk i jazz do klasične glazbe. Nakon uobičajenih Yannijevih klavirskih i sintisajzerskih melodija, napravio je nešto što me doslovno oborilo s nogu. Savršene glazbene improvizacije od adrenalinskih do vrlo emocionalnih dijelova pjesama, te veliki broj instrumenata čine ovaj album.
Melodije i način izvođenja se nalaze izvan vremena i teško ih je opisati riječima, već zbilja treba to poslušati. Odlični vokali također djeluju posebno na ovaj album. Neke pjesme podsjećaju na Hare Krishna stil, samo neizmjerno puno bolje i melodioznije je sve to osmišljeno. Zvuk je potpuno organski i prirodan. Kada preslušavate album naslovi pjesama vam ne znače puno jer svaka pjesma je poseban doživljaj, a opet sve pjesme savršeno skladno funkcioniraju kao nastavak jedne na drugu.
Za razliku od Yannievog također odličnog `Live At Acropolis` koji je bio izvađanje već poznatih njegovih melodija također sa improvizacijama, ovaj album zvuči puno otvorenije i nesputanije i nije nekom svojom osnovom zakočen.

ENYA – PAINT THE SKY WITH STARS

Enya je jedna od najpopularnijih glazbenica New Age-a. Prije svega, važno je naglasiti za Enyu originalnost, oslobađanje mašte u glavi slušatelja i pružanje nam bezbrižnog putovanja po svjetovima anđela, bajka i snova. Toplina i šarenilo pjesama, te odlični aranžmani stvorili su Enyu jednom od najpopularnijih glazbenica New Age-a.
Jednostavne melodije, zvukovi nekog `prošlog izgubljenog vremena`, Enyin blagi vokal, te zanimljivi instrumentali čine ovu kompilaciju vrlo dobrom za opuštanje.
Enya je rođena u Gweedoru Irskoj, u glazbenoj obitelji. Rodno mjesto napušta 1980. godine i odlazi u bend ˝Clannad˝, gdje svira sintisajzer. 1982. godine napušta bend tvrdeći da je nezainterisirana za pop glazbu kojoj se bend sve više počeo priklanjati. Članovi tog sastava bili su njegovi braća i sestre. Nakon toga odlazi sa producentom Nicky Ryanom s kojim je snimila i neke televizijske uratke. To je rezultiralo uspješnim albumom s TV glazbom za BBC. Ubrzo zatim nastaje album ˝Watermark˝ koji je zvučao osobito i karakteristično, a prodan je u 4 milijuna primjeraka diljem svijeta. Enyin otac, Leo Brennan bio je vođa popularne irske grupe ˝ The Slieve Fox Band˝, a njezina majka bila je glazbenik amater.

VANGELIS – KRALJ NEW AGE GLAZBE

Vangelis je za New Age glazbu ono što je Elvis Presley za Rock`n`Roll.
Vangelis, pravim imenom Evangelos Odyssey Papathanassiou rođen je u Grčkoj u Valosu
1943. godine. Odmah se ispostavilo da je nekakvo čudo od djeteta tim više što je prvi koncert
održao sa šest godina. Krajem 60-ih godina Vangelis je bio u Parizu i zbog političkog
preokreta u svojoj zemlji bio je onemogućen vratiti se kući i osnovao je bend »Aphrodites
Child» sa Demis Roussosom i Lucas Siderasom , no bend se raspao 1972. godine, a njihov
jedini veliki hit bio je «Rain And Tears».
Vangelis je tada počeo raditi na filmskoj glazbi, te je počeo stvarati glazbu
upotrebljavajući sintesajzere i akustične zvukove. Jedan od prvih njegovih velikih albuma je
bio «Apocalypse Des Animaux» iz 1973. koji je po mišljenju nekih možda «prvi» New Age
album ikada. Album čine akustični instrumentali od vrlo melodioznih i emocionalnih dijelova,
sve do prilično dugih dijelova, ali dobrih instrumentala namijenjenih vjerojatno za meditaciju.
1978. godine Vangelis se vraća u Grčku i nastavlja raditi na New Age glazbi i to sa
vokalistom Jon Andersonom iz grupe «Yes». Vangelisa čini velikim prije svega što je on
svojom glazbom bio u prošlosti, u budućnosti, u svemiru, na svim kontinentima, u moru, u
raju i u paklu. Vangelis je svojom glazbom nadilazio zemaljsko upotrebljavajući gomile
stilova, tj. katkada su na albumu prevladavali sintesajzeri, katkada zborovi, katkada je sve bilo
svijetlo, katkada sve mračno.
Njegovi albumi su bili toliko različiti, primjerice imamo odličan melodiozni
«Conquest Of Paradise» i mračni nemelodiozni i toliko duboki da se u njemu utopio sam Vangelis «El Greco».Također imamo «Heaven And Hell» album iz 1975. koji sadrži sve od fenomenalnih instrumentalnih dijelova, do malih bizarnih gdje se Vangelis ne može suzdržati od manijačkog napada sintisajzerima na slušateljevo uho što bi bio primjer i sa oba dijela pjesama «Nucleogenesis».
Valja naglasiti da je Vangelis osvojio Oskara za svoj «Chariots Of Fire»
album iz 1981. godine koji sadržava svoju nezaboravnu naslovnu stvar sa odličnom
umjerenom dozom sintesajzera i nezaboravnom klavirskom melodijom.

VANGELIS

Najpoznatije pjesme:
«Theme From Blade Runner»
«To The Unknown Man»
«La Petite Fille De La Mer»
«Anctartica»
«Pulstar»
«Alpha»
«Theme From Missing»
Najpoznatiji albumi:
«Anctartica»
«Voices»
«Conquest Of Paradise»
«Direct»
«Oceanic»
«Blade Runner»
«The City»

среда, 3. јул 2013.

SLAVNA PIJANISTICA KLARA ŠUMAN


 Nemačka pijanistkinja i kompozitor, Klara Šuman (Clara Josephine Wieck Schumann), bila je jedna od najistaknutijih pijanista u doba romantizma. Njena koncertna karijera trajala je čak 61 godinu. Klarin muž bio je kompozitor Robert Šuman.
Kada je imala 9 godina, na jednom od svojih nastupa Klara je upoznala Roberta Šumana, koji je tada imao 18 godina. On je bio toliko oduševljen njenim sviranjem, da je tražio odobrenje od majke da napusti studije prava i počne sa časovima klavira kod Klarinog oca. Majka mu je to odobrila, tako da se Robert preselio u dom Vikovih.
Sa 11 godina Klara je imala svoj prvi solistički koncert u Lajpcigu, za kojim su usledili koncerti i po drugim manjim i većim gradovima. Kao mlada, svirala je kompozicije koje je birao njen otac – uglavnom efektna i popularna dela. Kako je sazrevala, sve više je sama birala svoj repertoar. Svirala je dela Skarlatija, Baha, Mocarta, Betovena, Šuberta, Šopena, Mendelsona i naravno – Šumana.
Posle puno muka, Klara se, na veliku žalost svog oca, u 19 godini udala za Roberta Šumana. Iako je morala da se stara o sedmoro dece (osmo je umrlo u ranom detinjstvu), Klara je nastavila da drži koncerte i da komponuje. Vrlo brzo je postigla evropsku slavu, a zahvaljujući mnogobrojnim koncertima na kojima je izvodila i dela svog muža, Šumanove kompozicije postajale su sve popularnije.
Klara je puno komponovala u detinjstvu i ranoj mladosti. U svojoj 14-oj godini, uz Robertovu pomoć, napisala je svoj prvi klavirski koncert, koji je i izvela dve godine kasnije. Međutim, kako je odrastala, sve više je gubila samopouzdanje u sebe kao kompozitora. Prestala je da komponuje kada joj je bilo 36 godina.
Godine 1853. Klara i Robert upoznali su dvadesetogodišnjeg Johanesa Bramsa, koji ih je oboje oduševio svojim talentom. Brams je neko vreme i živeo kod njih, a vrlo često se brinuo i o deci kada je Klara bila na turneji. Klara i Brams ostali su bliski prijatelji do kraja života.
Zbog mentalne bolesti svog muža, Klara je vrlo često morala sama da se snalazi oko finansija. Novac je zarađivala koncertirajući i podučavajući. Posle Robertove smrti (1856.), na koncertima je izvodila samo njegova dela. Poslednji koncert održala je u Frankfurtu, u martu 1891. godine. Pet godina kasnije umrla je od srčanog udara – 20. maja 1896. godine.
Klarin lik nalazio se na novčanici od 100 maraka.
100dm1